Jose Maria Casas. Two.

Barry Stevens - La Comprension

• "Pero la comprensión sola no basta. Cuando entiendo algo y no convierto ese entendimiento en acción nada se logra, ni en el mundo exterior ni dentro de mí. Un psiquiatra de Boston suele llamar "el beso de la muerte" al instante en que el paciente dice: "Ya comprendo!!". Se lo que quiere decir con esto, pues cuando yo era mi propia terapeuta descubrí algo que de veras me bloqueaba y me dije constantemente que mientras lo viera con claridad, mientras comprendiera como había surgido, no necesitaría hacer nada al respecto. "Así esta bien", me dije, pero no lo estaba: no pasó nada hasta que no actué basándome en lo que sabía. Uno de los desatinos de mi intelecto parece ser la capacidad de imaginar que soy aquello que se, y que las palabras se encargan de todo."
• Extraído de "Persona a Persona" por Carl Rogers, Barry Stevens, y Colaboradores. Pag. 5: "Introduccion" por Barry Stevens, Ed Amorrotu, 2003.

Carlos Alonso - Extracto de Entrevista

• --Dijo hace poco: “Pinto siempre, pero lo que hago me conforma cada vez menos”. ¿Lo agarraron mal ese día?
  
  –Bueno, no siempre fue así. Cuando uno tiene treinta años y pinta, todo es la consagración de la vocación. Y eso va mucho más allá del conformismo y el logro; el estar en lo que uno elige, o para lo que uno fue elegido, es un disfrute que va mucho más allá de si está bien o mal, mejor o peor, si se vende o no. Todo es más catártico y menos especulativo. A medida que uno crece ve más, va creciendo también el crítico y surge un grado de “responsabilidad” por el propio trabajo. No sé si eso es sano o no. Y tampoco sé si es mejor esa cierta “irresponsabilidad” que tienen otros autores, que yo admiro. Rómulo Macció es quien mejor ofició este último punto de vista. Porque él pinta. Y como él mismo dice, la pintura resiste. A uno podrá gustarle más un cuadro que otro, pero un autor es eso, no es un profesional que hace sólo cuadros “buenos”, “logrados”, “de museo”. La del pintor es toda una vida de batallas: muchas se pierden, algunas se ganan, otras se empatan. Macció tiene una vitalidad que es superior a lo crítico, al juicio de la historia, al propio juicio, al de la sociedad. Se trata de hechos contundentes que reflejan la experiencia de un pintor frente a la tela. Yo no he logrado ese ideal, no he sido un pintor puro, he estado mucho más contaminado. Para mí el ciudadano era más importante que el pintor.
  
  --Hace un par de meses, a propósito de su muestra en Bellas Artes, Macció dijo que más que el curador, él mismo era “el curandero” y que la curaduría le parecía una pavada.
  
  –Es que pasan cosas terribles con las curadurías. El coleccionista lo permite, los museos los necesitan; se ha instalado como una jerarquía superior a todo, incluso a la propia visión del autor. Hay un coleccionista, Jacobo Fiterman, que tiene más de doscientos trabajos míos y contrató a una curadora para que le armara una muestra con la selección de todos sus cuadros; bueno, no colgó ni un solo cuadro mío, los rechazó. Este tipo de gestos habla de una soberbia que produce una gigantesca distorsión. Otro caso monstruoso me ocurrió con el encargo de un mural para una estación de subte; presenté a la empresa un boceto de un cuadro que se llama Viajeros al primer mundo; hay unos pobres con sus valijitas, su máquina de coser, su cama. Una de las figuras era una viejita con una silla de ruedas. En un momento dado uno de los directivos vino acá y me dijo: “Mire, maestro, no lo tome a mal, pero quisiéramos que usted sacara a la viejita en la silla de ruedas”. (Se ríe.)
  
  --...“Porque en el primer mundo no la van a recibir...”
  
  –Le dije: “¿Pero se da cuenta de lo que me está proponiendo? Primero, es una falta de respeto. Segundo, es un mural por el que no cobro, déjenme poner mis imágenes. Si vengo haciendo personas en sillas de ruedas desde hace años... hice una serie de Renoir en silla de ruedas. Es como un tema mío”. Querían que la sacara. Bueno, se terminó.
  
  --¿Se ha sentido muy machacado por la crítica?
  
  –Sufrí eso algunos años. Me hostigaron mucho diciendo que era un excelente dibujante pero un pintor malo. Luego están todos los enemigos que derivan de una posición de militante en el Partido Comunista, pero eso no lo sufrí, porque era una elección. Ahora, cuando me echaron del PC (a fines de los ’60), ahí sí sufrí. Porque fue algo totalmente inmerecido. Yo era una persona convencida y fiel, aunque pintaba lo que me salía de los cojones y no lo que me dijeran acá o desde Moscú. Se consideró un delito ideológico que hiciera así esa serie de Spilimbergo: yo lo pinté como lo vi. Me tiraron al tacho de la basura y me excluyeron de una comunidad de pares que había elegido para trabajar y militar, incluso para pintar. Eso fue doloroso. Lo otro no, porque la propia historia del arte enseña cómo son los amores y los odios, los favoritismos y los rechazos. Son tantos los pintores fustigados que luego tuvieron su reconocimiento que uno ya tiene eso asimilado.
• Nota completa en.. http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-3794-2007-05-06.html   [ link ]

C.R. Rogers - Ideas Personales Sobre la Enseñanza y el Aprendizaje

• "Este es el capitulo mas breve del libro, pero si mi experiencia tiene valor, es también el mas explosivo. Su historia (a mi juicio) es bastante divertida.
  
  Con varios meses de anticipación, me había comprometido a participar en una asamblea organizada por la Universidad de Harvard sobre el tema "La influencia sobre la conducta humana; su enfoque en el aula". Los organizadores me solicitaron que preparase una demostración de "enseñanza centrada en el alumno", es decir, enseñanza basada en los principios terapéuticos aplicados a la educación. Pensaba que seria muy artificial y poco satisfactorio pasar dos horas tratando de ayudar a un grupo intelectualizado a decidir cuales eran sus propios propósitos y responder a los sentimientos que surgieran en sus miembros, de modo que no sabia que decirles.
  
  En ese momento viaje a México para pasar mis vacaciones de invierno; allí pinte, escribí, tome fotos y me sumergí en las obras de Soren Kierkegaard. Estoy seguro de que su honestidad al llamar las cosas por su nombre influyo sobre mi más de lo que yo mismo creía.
  
  Cuando se aproximo la hora de volver debí enfrentarme con mi obligación. Recordé que en ciertas oportunidades había logrado iniciar en clase discusiones muy significativas, expresando alguna opinión muy personal, y que luego había tratado de comprender y aceptar las reacciones y sentimientos, a menudo muy dispares, que despertaba en el auditorio. Esta me pareció una manera adecuada de cumplir con el compromiso contraído en Harvard.
  
  Por consiguiente, comencé a escribir, con la mayor honestidad de que era capaz, acerca de mis experiencias en la enseñanza --según la definición que dan los diccionarios de esta palabra--, e hice lo mismo con mi experiencia respecto del aprendizaje. Me aleje mucho de los psicólogos, educadores y colegas cautelosos; simplemente exprese lo que sentía, con la seguridad de que si estaba equivocado, la discusión me ayudaría a corregirme.
  
  Puedo haber sido ingenuo, pero no pensé que el material fuera explosivo. Después de todo, los miembros de la asamblea eran docentes accesibles y capaces de autocrítica y los vinculaba su interés común por el método de discusión en el aula.
  
  Cuando estuve frente a ellos expuse mis puntos de vista tal como figuran mas adelante; eso no me llevo mucho tiempo, y en cuanto termine declare abierta la discusión. Esperaba una respuesta, pero no precisamente el tumulto que se desato, ya que se manifestaron sentimientos muy intensos: muchos sintieron que yo representaba una amenaza para su trabajo, que en realidad me había expresado mal y que yo mismo no debía creer en algunas de las cosas que dije, pero se oyó también una que otra tímida voz de aprobación por parte de alguien que había sentido las mismas cosas que yo, pero nunca se había animado a expresarlas.
  
  Me permito decir que ni un solo miembro del grupo recordó que se trataba de una reunión programada para tratar el tema de la enseñanza centrada en el alumno, pero espero que al pensar en ella cada uno haya advertido que vivió una experiencia de esa enseñanza específicamente. En aquella ocasión rehusé defenderme replicando a las preguntas y ataques provenientes de todos los ángulos; en cambio, me esforcé por aceptar y empatizar con la indignación, frustración y criticas que surgían de los participantes; señale que solo había expresado algunos puntos de vista muy personales y que no había solicitado ni esperado que los demás estuvieran de acuerdo. Después de la tormenta, los miembros del grupo comenzaron a expresar con mayor franqueza sus propios puntos de vista acerca de la enseñanza; con frecuencia estos diferían radicalmente entre si y también de los míos. Fue una sesión estimulante, y me pregunto si alguno de los participantes habrá podido olvidarla.
  
  Por la mañana siguiente, cuando me disponía a abandonar la ciudad, escuche uno de los comentarios más significativos, proveniente de uno de los miembros de la asamblea. Todo lo que dijo fue: "Por usted, mucha gente no durmió anoche."
  
  Nunca intente publicar este pequeño fragmento. Mis ideas sobre la psicoterapia ya me habían convertido en una "figura controvertida" entre psicólogos y psiquiatras, y no tenia interés alguno en agregar a los educadores en la lista. Sin embargo, los miembros de la asamblea reprodujeron y difundieron mi exposición, de manera que varios años mas tarde, dos revistas solicitaron permiso para publicarla.
  
  Después de esta larga reconstrucción histórica, tal ves el capitulo mismo sea una desilusión. Personalmente, nunca creí que fuera incendiario. Expresa algunos de mis criterios más profundos sobre el problema de la educación.
  
  Deseo presentar algunas breves observaciones; espero que si provocan cierta reacción en ustedes, ello me ayude a esclarecer mis propias ideas.
  
  Me resulta muy difícil pensar, sobre todo cuando pienso en mis propias experiencias y trato de captar su significado inherente y más genuino. En un comienzo el pensamiento resulta muy gratificante, porque parece descubrir el sentido y la armonía de una multitud de acontecimientos separados; pero pronto se vuelve desalentador, porque advierto que esos pensamientos, tan valiosos para mi, pueden parecer ridículos a la mayoría de las personas. Mi impresión es que cuando trato de encontrar el sentido de mi propia experiencia, esta casi siempre me conduce en direcciones que otros consideran absurdas.
  
  Por consiguiente, en los próximos minutos tratare de resumir el significado que ha tenido para mí mi experiencia en el aula y en la terapia individual y grupal. Mis palabras no pretenden ser conclusiones para otros, ni deseo proponerlas como guía. Son solo los significados provisionales de mi experiencia hasta abril de 1952 y algunas de las difíciles cuestiones que plantea su carácter absurdo. Presentare cada idea o significado en un párrafo individual, no porque requieran un orden lógico particular, sino porque cada una tiene para mi su propia importancia.
  
  a. Considerando los propósitos de esta asamblea, la siguiente idea bien puede figurar en primer lugar: Mi experiencia me dice que no puedo enseñar a otra persona como enseñar. En última instancia, intentar algo así resulta inútil.
  
  b. Pienso que cualquier cosa que pueda enseñarse a otra persona es relativamente intrascendente y ejerce poca o ninguna influencia sobre la conducta. Esto suena tan absurdo que no puedo evitar cuestionarlo en el mismo momento en que lo enuncio.
  
  c. Cada vez estoy más convencido de que solo me interesa el aprendizaje capaz de influir significativamente sobre la conducta. Tal vez esto no sea más que un punto de vista personal.
  
  d. He llegado a sentir que el único aprendizaje que puede influir significativamente sobre la conducta es el que el individuo descubre e incorpora por si mismo.
  
  e. El aprendizaje basado en el propio descubrimiento, la verdad incorporada y asimilada personalmente en la experiencia, no puede comunicarse de manera directa a otro. En cuanto el individuo, a menudo con un entusiasmo muy natural, trata de transmitir esa experiencia de modo inmediato, la transforma en enseñanza y sus resultados pierden trascendencia. Hace poco me sentí aliviado al descubrir que Soren Kierkegaard, el filosofo dinamarqués, llego a la misma conclusión mediante su propia experiencia y la expreso con gran claridad hace un siglo, lo cual confiere mayor lógica a mi enunciado.
  
  f. Como consecuencia de lo anterior, advierto que he perdido el interés en ser un educador.
  
  g. Cuando trato de enseñar, los resultados a veces me espantan, ya que además de ser incoherentes, en ocasiones la enseñanza parece tener éxito. Cuando esto sucede veo que las consecuencias son perjudiciales: el individuo desconfía de su propia experiencia y esto impide el aprendizaje significativo. Por consiguiente, he llegado a sentir que los resultados de la enseñanza son intrascendentes o bien dañinos.
  
  h. Cuando reviso los resultados de mis experiencias pasadas en el terreno de la enseñanza, todos me parecen iguales: hubo un perjuicio o bien no ocurrió nada significativo, lo cual es francamente perturbador.
  
  i. Por consiguiente, pienso que solo me interesa aprender, incorporar preferiblemente cosas importantes que ejerzan una influencia trascendente sobre mi propia conducta.
  
  j. Me enriquece aprender, ya sea en grupos, en relaciones con otra persona --como en la terapia-- o por mi propia cuenta.
  
  k. Pienso que una de mis mejores maneras de aprender --pero también una de las más difíciles-- consiste en abandonar mis propias actitudes de defensa, al menos temporariamente, y tratar de comprender lo que la experiencia de la otra persona significa para ella.
  
  l. Otra de mis maneras de aprender consiste en plantear mis propias incertidumbres, tratar de esclarecer mis dudas y acercarme así al significado real de mi experiencia.
  
  m. Todo ese conjunto de experiencias y los significados que hasta ahora he descubierto en el parecen haberme lanzado a un proceso fascinante, que a veces me inspira temor. Consiste en dejarme llevar por mi experiencia, en un sentido que parece ser progresivo, hacia objetivos que apenas puedo discernir, mientras trato de comprender al menos el sentido básico de esa experiencia. Tengo una sensación de flotar en la compleja corriente de la experiencia con la posibilidad fascinante de comprender su complejidad siempre en transformación.
  
  Temo haberme alejado de cualquier tipo de discusión acerca del aprendizaje o de la enseñanza. Permítaseme introducir una observación practica: en si mismas, estas interpretaciones de mi propia experiencia pueden parecer extrañas y desviadas, pero no particularmente sorprendentes. Al comprender sus implicaciones, tiemblo al advertir cuanto me he alejado del mundo del sentido común, que todos consideran correcto. La mejor manera de ilustrar esto es decir que si las experiencias de otros hubieran coincidido con las mías, y si los demás hubieran descubierto en ellos los mismos significados que yo, podrían deducir muchas consecuencias:
  
  a. Esta experiencia implicaría nuestro abandono de la enseñanza. Aquellos que desean aprender se acercarían unos a otros para hacerlo.
  
  b. Dejaríamos de lado los exámenes, ya que solo evalúan el aprendizaje de tipo intrascendente.
  
  c. Por la misma razón, dejaríamos de calificar con notas.
  
  d. también abandonaríamos los títulos para evaluar la eficiencia de las personas, puesto que un titulo señala un fin o la conclusión de algo, mientras que el que aprende solo se interesa en el proceso continuo de aprender.
  
  e. abandonaríamos el enunciado de conclusiones, ya que estas no son capaces de pronunciar enseñanzas significativas.
  
  Opino que debo finalizar en este punto, o correré el riesgo de perderme en fantasías. Lo que mas deseo saber es si hay algo en mi pensamiento interior, tal como he intentado describirlo, que evoque la experiencia que otros han vivido en el aula, y en tal caso, cuales son los significados que para esas personas existen en su experiencia."
• Carl R. Rogers, "El proceso de Convertirse en Persona", Ed. Paidos, Cap 13, Pags. 241 a 245.

E.H. Gombrich - La Historia del Arte I

• "El publico, en general, se ha aferrado a la teoria de que el artista es un semejante suyo que debe producir Arte del mismo modo que un zapatero zapatos. Con esto quiere dar a entender que debe producir la clase de pintura o escultura que ha visto que antes fue señalada como Arte. Puede comprenderse esta extraña exigencia, pero no apoyarla, pues es lo unico que el artista no puede hacer. Lo que ya ha sido hecho una vez, no vuelve a ofrecer problemas. No constituye ninguna tarea que pueda estimular al artista. Pero tambien los criticos y los intelectuales son a veces reos de una incomprension analoga. Tambien ellos dicen al artista que produzca Arte; tambien ellos se inclinan a considerar los cuadros y las estatuas como exponentes de museos futuros. La unica tarea que ofrecen al artista es crear algo nuevo: si tiene personalidad, cada obra representara un nuevo estilo, un nuevo ismo. En ausensia de alguna ocupacion mas concreta, hasta el mas dotado de los artistas modernos se somete en ocasiones a estas exigencias. Sus soluciones al problema de como ser original son a veces de un ingenio y una brillantez que no pueden despreciarse; pero, a la larga, dificilmente sera una tarea que valga la pena proseguir."
• Extraído de "La Historia del Arte " por E. H. Gombrich, La Historia del Arte, Pag.596.

E.H. Gombrich - La Historia del Arte II

• "Es innegable que la nueva tolerancia, la disponibilidad de criticos y fabricantes a dar una oportunidad a nuevas ideas y a nuevas combinaciones de color ha enriquecido nuestro entorno, y que incluso el vertiginoso cambio de las modas contribuye a la diversion. Creo que es con este espiritu el que mucha gente joven contempla lo que siente como el arte de su tiempo, sin preocuparse excesivamente por las elucubraciones interpretativas que suelen contener los catalogos de las exposiciones. Y asi es como debe ser. Siempre que el placer sea genuino, podemos darnos por contentos si vamos soltando lastre.
  
  Por otro lado, el peligro de este doblegarse ante la moda no necesita ser destacado. En el reside la amenaza a la libertad misma de que disfrutamos. Que, por cierto, no proviene de la policia, y esto es algo de lo que podemos estar agradecidos, sino de las presiones del conformismo, del temor a quedarse atras, del temor de pasar por lerdos. Hace poco, un periodico recomendaba a sus lectores que tomaran nota de una exposicion individual que se celebraba en aquel momento si querian "seguir en la carrera del arte". Tal carrera no existe, pero si la hubiera, deberia recordarse al efecto la fabula de la liebre y la tortuga."
• Extraído de "La Historia del Arte " por E. H. Gombrich, La Historia del Arte, Pag.617.

F. Nietzsche - De los Caminos del Hombre Creador

• "¿Te propones, hermano, retirarte a la soledad? ¿Te propones buscar el camino que te condusca a ti mismo? Espera un poco y escuchame.
  
  Dice el Rebaño: "El que busca, facilmente se pierde. Todo aislamiento es culpa". Y durante mucho tiempo formaste parte del rebaño.
  
  Tambien en ti seguira hablando la voz del rebaño. Y cuando digas: "Mi conciencia ya no es la vuestra colectiva", tus palabras sonaran como dejos de lamento y dolor.
  
  Mira que este mismo dolor sera un eco de esa conciencia colectiva; y en tu afliccion brillaran aun los postreros reflejos de dicha conciencia.
  
  Mas, ¿te propones recorrer el camino de tu afliccion, que es el camino que ha de conducirte a ti mismo? Pues ¡demuestrame tu derecho y fuerza para tentar empresa semejante!
  
  ¿Eres una fuerza nueva y un derecho nuevo?, ¿un movimiento inicial?; ¿una rueda que gira espontaneamente? ¿Eres capaz de obligar a las estrellas a rodar alrededor de ti?
  
  ¡Ay, abunda mucho la concupiscencia de lo alto! ¡Abundan mucho los aspavientos de los ambiciosos! ¡Demuestrame que no figuras entre los concupiscentes y los ambiciosos!
  
  ¡Ay, abundan los grandes pensamientos que no hacen mas que cualquier fuelle: inflando vacian!
  
  ¿Te llamas libre? Me interesa tu idea dominante, no que has sacudido un yugo.
  
  ¿Eres uno de esos que tienen derecho a sacudir un yugo? Mas de uno repudio su unico valor al repudiar su servidumbre.
  
  ¿Libre de que? ¡Que le importa esto a Zaratustra! Tus ojos han de pregonar con gallardia: ¿libre para que?
  
  ¿Eres capaz de fijarte por ti mismo tu bien y tu mal y suspender sobre ti la ley de tu propia voluntad? ¿Eres capaz de ser tu propio juez y el guardian de tu propia ley?
  
  ¡Terrible es el estar a solas con el juez y guardian de la propia ley! Es como cuando una estrella es proyectada dentro del espacio pavoroso y el soplo frio de la soledad.
  
  Por tu soledad, hoy sufres aun por los muchos; hoy tienes aun tu valor y tus esperanzas.
  
  Pero dia llegara en que te agobiara la soledad, en que se doblegara tu orgullo y gemira tu valor. Dia llegara en que gritaras: "¡Estoy solo!"
  
  Llegara el dia en que habras perdido de vista tu altura y tu bajeza la veras harto cerca de ti; y tu misma sublimidad te espantara como si fuese un fantasma. Dia llegara en que gritaras: "¡Todo es falso!"
  
  ¡Sentimientos hay empeñados en matar al hombre solitario! si no lo logran, ¡ellos mismos tienen que morir! Pero, ¿eres capaz de ser un asesino?
  
  ¿Conoces ya, hermano, la palabra "desprecio"? ¿Y el tormento de tu justicia consiste en hacer justicia a los que te desprecian?
  
  Obligas a muchos a cambiar de parecer respecto de ti, por eso estan furiosos contigo. Te acercaste a ellos y sin embargo pasaste de largo; esto no te lo perdonan.
  
  Te elevas por encima de ellos. Pero a medida que subes, el ojo de la envidia te ve cada vez mas pequeño. Y el odio mas enconado se ceba en el que vuela.
  
  "¡Como podriais vosostros ser justos conmigo!", debes decir: "Elijo vuestra injusticia como la parte que me corresponde".
  
  Arrojan injusticia e inmundicia al hombre solitario; pero no por eso has de brillar menos para ellos si quieres ser una estrella, hermano.
  
  ¡Y cuidado con los buenos y los justos! Estan prontos a clavar la cruz a quienes se inventan su propia virtud; odian al hombre solitario.
  
  ¡Cuidado tambien con la santa ingenuidad! Repudia ella todo lo que no es ingenuo, y le gusta jugar con el fuego... de las hogueras.
  
  ¡Y cuidado, por ultimo, con los arrebatos de tu amor! Demasiado presto es el solitario en tender la mano al que encuentra en su camino.
  
  Gentes hay a las que no debes tender la mano, si no la zarpa; y que tu zarpa tenga las uñas bien afiladas.
  
  Mas el peor enemigo que pueda salirte al paso seras siempre tu mismo; tu mismo te asechas en cuevas y bosques.
  
  ¡Solitario, recorres el camino que ha de conducirte a ti mismo! ¡Y por este camino pasas junto a ti mismo y tus siete demonios!
  
  Te apareceras a ti mismo como un hereje, un brujo, un adivino, un loco, un esceptico, un depravado y un malvado.
  
  Debes tener la voluntad de consumirte en tu propia llama. ¡Como podrias renacer sin antes haber quedado reducido a ceniza!
  
  ¡Solitario, recorres el camino del creador! ¡Quieres crearte un dios con tus siete demonios!
  
  ¡Solitario, recorres el camino del amante! Te amas a ti mismo, y asi te desprecias como solo desprecian los que aman.
  
  ¡El que ama ansia crear, porque desprecia! ¡Que sabe del amor quien no ha tenido que despreciar precisamente lo que amaba!
  
  Retirate a tu soledad, hermano, llevando contigo tu amar y tu crear; solo mucho mas tarde te seguira la justicia remisa.
  
  Retirate a tu soledad, hermano, llevando contigo mis lagrigas. Amo al que quiere superarse creando y asi se encamina a su ocaso."
  
  Asi hablo Zaratustra.
• Frederic Nietzsche, "Asi Hablo Zaratustra", Pags.56 a 59, Ed. Rueda.

F. Nietzsche - La Razon en la Filosofia

• "¿Me preguntan ustedes cuales son los distintos rasgos que catacterizan a los filosofos..? Por ejemplo, su falta de sentido historico, su odio a la misma nocion de devenir, su mentalidad egipciaca. Creen honrar una cosa si la desprenden de sus conexiones historicas, sub specie aeterni; si la dejan hecha una momia. Todo cuanto los filosofos han venido manipulando desde hace milenios eran momias conceptuales: ninguna realidad salia viva de sus manos. Matan y disecan esos idolatras de los conceptos cuanto adoran: constituyen un peligro mortal para todo lo adorado. La muerte, la mudanza y la vejez no menos ke la reproduccion y el crecimiento son para ellos objeciones y aun refutaciones. Lo ke es, no deviene; lo ke deviene, no es.. Pues bien, todos ellos creen, incluso con desesperacion, en el Ser. Mas como no lo aprehenden, buscan razones que expliken por ke les es escamoteado. "El ke no percibamos el Ser debe obedecer a una ficcion, a un engaño; ¿donde esta el engañador?" "¡Ya hemos dado con el!", exclaman contentos. "¡Es la sensualidad! Los sentidos, ke tambien por lo demas son tan inmorales, nos engañan sobre el mundo verdadero. Moraleja: hay ke emanciparse del engaño de los sentidos, del devenir, de la historia, de la mentira; la historia no es mas ke fe en los sentidos, en la mentira. Moraleja: hay ke decir no a todo cuanto da credito a los sentidos, a toda la restante humanidad: todo esto es "vulgo". ¡Hay ke ser filosofo momoa; representar el monotono-teismo con una mimica de sepulturero! ¡Y repudiar sobre todo el cuerpo, esa deplorable idea fija de los sentidos! ¡Plagado de todas las faltas de la logica, refutado; mas aun: imposible, aunke tenga la osadia de pretender ser una cosa real!"
• Extraido de "El Ocaso de los Idolos" Por F. Nietzsche, Cap. 4 "La Razon en la Filosofia", Punto 1, Pag. 22.

Jackson Pollock - Toma y Daca

• "Cuando pinto no me preocupo de lo que estoy haciendo. Solo despues de un breve periodo de "toma de conocimiento" veo lo que he hecho. No tengo miedo a hacer cambios, destruir la imagen, etc., porque el cuadro tiene vida propia. Intento que salga por si mismo. Solo cuando pierdo el contacto con la obra el resultado es un desastre. En caso contrario, es pura armonia, un fluido toma y daca, y el cuadro sale bien."
• Cita textual

Jean Paul Sartre - La Nausea

• "Deslizo la carta de Anny en la valija; me ha dado lo que podia; no consigo remontarme a la mujer que la ha tenido en sus manos, que la ha doblado e introducido en el sobre. ¿Es siquiera posible pensar en alguien metido en el pasado? Mientras nos amamos, no permitimos que el mas infimo de nuestros instantes, el mas leve de nuestros pesares se desprendiera de nosotros y quedara rezagado. Nos lo llevabamos todo, y todo permanecia vivo: los sonidos, los olores, los matices del dia, los mismos pensamientos que no nos habiamos dicho, no cesabamos de gozarlos y padecerlos en el presente. Ni un recuerdo; un amor implacable y torrido, sin sombras, sin perspectivas, sin refugio. Tres años presentes a la vez. Por eso nos separamos; no teniamos las fuerzas para soportar la carga. Y cuando Anny me dejo, los tres años se derrumbaron en el pasado, de un solo golpe, de una sola pieza. Ni siquiera sufri; me sentia vacio. Despues, el tiempo reanudo su curso y el vacio se agrando. Y en Saigon, cuando decidi regresar a Francia, todo lo que aun restaba --rostros extraños, lugares, muelles a la orilla de largos rios--, todo se aniquilo. Y ahora mi pasado es un enorme agujero. Mi presente: esa criada de blusa negra que sueña junto al mostrador, y ese hombrecito. Me parece haber aprendido en los libros todo lo que se de mi vida. El palacio de Benares, la Terraza del Rey Leproso, los templos de Java con sus grandes escaleras derruidas, se han reflejado un instante en mis ojos, pero quedaron alla, sin moverse. El tranvia que pasa delante del hotel Printania no se lleva, de noche, en los vidrios, el reflejo del cartel de neon; se inflama un instante y se aleja con los cristales negros."
• Pags 96-97.

L. F. Noe - Entrevista

• Luis Felipe Noe: "Se dice que la pintura murió porque no se asume que el problema es la imagen"
  
  Los griegos o los renacentistas tenían una manera de ver y representar el mundo que marcó su arte. Hoy, la diversidad de imágenes del cine, la TV, la fotografía e Internet no ayuda a fijar la identidad de la época.
  
  Por Claudio Martyniuk.
  
  Luis Felipe Noé vivió y pintó en Nueva York, París y, sobre todo, en Buenos Aires. Formó en 1961, con Ernesto Deira, Rómulo Macció y Jorge de la Vega, el ya mítico grupo Nueva Figuración y acompañó su obra plástica de una frondosa reflexión sobre la situación del arte en el mundo contemporáneo.
  
  Interesado en Hegel -"El lenguaje es el estar ahí del espíritu" es una cita que hilvana el recorrido de su último libro, Noescritos sobre eso que se llama arte- y comprometido con el mundo que nos rodea, Noé concibe a la pintura como un lenguaje, pero también advierte sobre la crisis de la imagen en nuestra época. Se concentra, cierra los ojos y empieza a contestar.
  
  ¿Por qué a veces la pintura busca sobrepasar las dos dimensiones del plano?
  
  Por ejemplo, esta obra mía -señala una pared de su casa- del 65 se llama "Vernisage". Vernisage es el nombre para las inauguraciones de arte en Francia. En mi pintura hay personajes y cuadros. Y un cuadro que está puesto en vertical, porque habría en esa muestra otra pared, donde aparece otro cuadro. Es un juego. Siempre se tiene entendido que la pintura es plana. Pero la cosa es así hasta por ahí nomás.
  
  ¿Por qué?
  
  Por empezar, la propia concepción renacentista de la perspectiva lucha contra esa dimensión plana y busca hacia adentro otra dimensión. Simultáneamente a la Revolución Francesa, en Edimburgo se hizo una exposición que se llamó "Panoramas", y era la ciudad de Edimburgo toda pintada en un cuadro plano, sí, pero en circunferencia, alrededor del contemplador. Era como un gran circo. Y después se hizo una moda de eso en el siglo XIX. Al plano siempre se le está buscando la profundidad para un lado, para el otro, o para un concepto nuevo de profundidad, que era la obsesión de Cézanne. El plano es una preocupación pictórica.
  
  ¿Cómo concibe lo figurativo y lo abstracto?
  
  El mundo figurativo -el mundo de nuestra apariencia exterior- es una parte mínima del mundo en el que vivimos. Hablamos con palabras que significan sustantivos, pero casi siempre aludimos a conceptos abstractos. Desde el momento en que un hombre le dice a una mujer "te amo", estamos en un registro abstracto. Convivimos con abstracciones. Y la pintura es un lenguaje que, como todo lenguaje, sirve para manifestarse. Es un lenguaje de por sí abstracto en el que utilizamos línea, espacios, colores. Esos tres elementos no denotan nada en particular salvo sí mismos. Ergo, son abstractos. Pero con esos elementos abstractos uno puede llegar a hacer una botella que es igualita a una botella. Y hasta puede uno trampear el ojo y agarrar la botella. El lenguaje sirve para hacer algo representativo, pero se manejan códigos abstractos. La pintura es esencialmente abstracta. Lo que es figurativo es el mundo y nosotros mismos.
  
  ¿Cómo puede aparecer en el lienzo aquello que se resiste a la representación, como el caos?
  
  Cuando empecé a hablar de asunción del caos fue porque sentía que cuando me hablaban de orden en la pintura, yo me preguntaba por qué obsesionarse con el orden cuando no existe en torno nuestro ese orden.
  
  Si yo quiero entender mi entorno, me tengo que olvidar de un prejuicio de orden anterior. Pero esto no quiere decir que yo entendiese que caos fuese desorden.
  
  El concepto que tiene la gente de orden y caos es estático.
  
  Parece una paradoja...
  
  Observe: yo salgo de mi casa, dejé todo ordenado. Vuelvo y veo todo desordenado. Entraron los ladrones o la policía, da lo mismo. Está todo hecho un despelote. Esto corresponde a un concepto de orden -y desorden- estático. El problema del caos es que no es desorden, es un orden de lo que está siempre cambiando. Por eso, para los físicos, caos es lo impredecible. Creo que vivimos en un mundo que es abstracto y figurativo al mismo tiempo. Yo creo que un pintor aprende un sistema de relaciones, más allá de la representación en sí misma. Y ese sistema de relaciones, sea figurativo o abstracto, fija lo que antes no estaba fijo.
  
  ¿Qué lugar le cabe al espectador?
  
  Al espectador le cabe sorprenderse o no, entender o no. Le cabe recrear la obra. Porque cada espectador tiene una personalidad diferente. Cuando veo en una exposición cómo la gente observa los cuadros sé qué opina. Si la gente pasa como pasando el plumero, rápidamente, y se va, no necesito preguntarle qué opinión tuvo del cuadro. Si por el contrario se queda mirando, mirando y mirando durante bastante tiempo, también sé qué opina del cuadro.
  
  El video, la utilización de las computadoras, ¿están marcando la marginación, tal vez el fin de la pintura?
  
  No, de ninguna manera. Sé que algunos lo consideran así, pero creo que es una manera muy torpe de plantearlo. La pintura es el arte de la imagen. No creo que haya un solo procedimiento. Creo que, por ejemplo, los vitrales góticos son pintura; los mosaicos romanos y bizantinos son pintura. En consecuencia, lo que llaman arte digital es pintura. Son formas de proponer imágenes. Creo que la fotografía también es una forma. Yo creo cada vez menos en la distancia entre la fotografía y la pintura. Por lo tanto, el problema en la actualidad no es el procedimiento; el problema es la imagen.
  
  ¿En qué sentido?
  
  Hay una crisis de conciencia de la imagen. Si uno alude, por ejemplo, al arte griego o renacentista o a las vanguardias, uno tiene enseguida una imagen total de lo que es el arte griego, renacentista o vanguardista, más allá de cada una de las obras. O sea, por encima de cada imagen tenían un modo de ver el mundo. ¿Cuál es hoy nuestro modo de ver el mundo?
  
  ¿Y qué contesta usted?
  
  Hay que explicar todo el proceso invasor de la fotografía y sus consecuencias: el cine, la televisión. Y sobre todo también las consecuencias de la expansión de la imagen: las publicaciones, la publicidad. Además, y por esto es muy significativa la década de los 60, está el strip-tease de la pintura. Y el strip-tease de la pintura es lo que va desde el romanticismo hasta el arte conceptual; es la pintura que se va como quitando ropas. La pintura se metió en esta aventura de cada vez menos, cada vez más esencial. Este es el problema de la pintura. Porque la pintura muchas veces se veía como ilustración, como al servicio de algo: de la representación, de la política, de la alegoría... Por algo en el siglo XVII, en Francia, en las academias, había como una jerarquía según temas de la pintura: el más alto era la pintura histórica y el más bajo, la naturaleza muerta. Eso porque todo estaba pensado en función nada más que de representaciones y no de problemas pictóricos en sí mismos. La cuestión es justamente cómo se va tomando conciencia de lo propiamente pictórico. Simultáneamente a esta desposesión de la imagen en la pintura, la imagen va tomando lugar por todas partes. La pintura tiene una experiencia de abstracción cada vez mayor, mientras el mundo se hace cada vez más figurativo, aun cuando también aprendió de la pintura y empezó a utilizar en la publicidad códigos abstractos. Se dijo que la pintura murió porque no se ubicó el problema donde tiene que ubicarse: en la imagen.
  
  ¿Qué relación encuentra entre pintar y dibujar? ¿Hay que saber dibujar para pintar?
  
  Todo depende de lo que uno entienda por dibujar. Desde el concepto de la pintura en tanto representación, sí, dibujar es representar, y si uno tiene que pintar una figura buscando una imagen de semejanza tiene que saber dibujar representativamente. Pero el dibujo utiliza un elemento abstracto: la línea. Y en ese sentido, la línea se maneja como la música.
  
  ¿Cómo?
  
  Cuando uno empieza a tomar conciencia de que la línea es un bordado visual, dibujar es llevarse por esa musicalidad visual. En este momento de crisis de la pintura, hay un descubrimiento del dibujo. El problema del mundo hoy es asumir el contexto en que estamos, en el que reina Internet. Para tomar conciencia de la imagen de hoy no es necesaria la tecnología. La tecnología nos plantea el problema, pero la respuesta puede alcanzarse por muchos procedimientos distintos, incluso el tecnológico. Pero para que el procedimiento tecnológico pueda llegar a contestar bien el desafío, se debe tomar conciencia de qué se trata. Por ejemplo, una pantalla de computadoras dice "paleta", y no hay paletas; "pincel", y no hay pincel. Todo eso es una ficción. Es no entender. Los primeros autos se hacían con forma de coche de caballo. Todos estaban fijados en algo anterior. Ahora habría que poder imaginar lo que viene.
  
  Copyright Clarín, 2008.
• Extraido de Clarin.com . -->http://www.clarin.com/suplementos/zona/2008/02/17/z-03415.htm

Mark Rothko - Algunas quotes sueltas..

• "El verdadero modelo del artista es un ideal que abarca todo el drama humano y no la apariencia externa de un individuo concreto." Pag.73
  
  "Aquellos que piensen que el mundo actual es mas amable y sofisticado que las pasiones primitivas y depredadoras de las que emanan estos mitos, o no son conscientes de la realidad o no la quieren ver en el arte. Los mitos no nos enganchan por su aroma romantico ni por sus reminiscencias de la belleza de una epoca pasada, ni tampoco por las posibilidades que dan a la fantasia, sino porque nos cuentan algo real y existente dentro de nosotros." Pag.75
  
  "Para mi el arte es una anecdota del espiritu, y el unico modo de dar concrecion al sentido de su movimiento y de su calma." Pag.83
  
• Extraido de: Mark Rothko, Escritos sobre arte (1934-1969), Ed. Paidos.

Mark Rothko & Adolpeh Gottlieb - Carta al editor de New York Times

• "[...]No pretendemos defender nuestros cuadros. Ya se defienden ellos solos. Los consideramos declaraciones en si mismos. Su incapacidad de rechazarlos o menospreciarlos es la prueba evidente del poder comunicativo que contienen.[...]
  
  [...]No existe ningun texto capaz de explicar nuestros cuadros. Su explicacion debe surgir de la experiencia que se consuma entre el cuadro y el expectador. La apreciacion del arte consiste en un matrimonio de mentes. Y en el arte, al igual que en el matrimonio, la falta de consumacion es causa de nulidad.
  
  Lo importante, a nuestro parecer, no es la explicacion de los cuadros, sino el que las ideas intrinsecas contenidas dentro de los marcos de dichos cuadros tenga algun significado.
  
  Sentimos que nuestros cuadros manifiestan nuestras creencias esteticas, de entre las cuales enumeramos:
  
  1 - El arte, es para nosotros, una aventura hacia un mundo desconocido, que solo puede ser explorado por aquellos que esten dispuestos a asumir riesgos.
  2 - Tal mundo imaginario es libre y se opone violentamente al sentido comun.
  3 - Nuestra funcion como artistas es hacer que el espectador vea el mundo a nuestro modo, no al suyo propio.
  4 - Estamos a favor de la expresion simple del pensamiento complejo. Tambien estamos a favor de los formatos grandes porque poseen el impacto de lo inequivoco. Deseamos reafirmar el plano pictorico. Estamos a favor de las formas planas porque destruyen la ilusion y revelan la verdad.
  5 - Esta comunmente aceptado entre los pintores el que no importe lo que se pinte siempre y cuando este bien pintado. Esta es la esencia del academicismo. No existe ningun cuadro de valor que no trate nada. Reafirmamos que el tema resulta crucial y que solo tiene valor aquel tema que sea tragico e intemporal. Por ello profesamos una afinidad espiritual con el arte primitivo y arcaico.
  
  Como consecuencia, si nuestro trabajo plasma estas creencias, ofendera a cualquiera que se sienta espiritualmente afin a la decoracion de interiores; a los cuadros para el hogar, a los cuadros para encima de la repisa, a los cuadros de paisajes americanos, a los cuadros sociales, a la pureza en el arte, a las obras mediocres ganadoras de premios, a la National Academy, a la Whitney Academy, a la Corn Belt Academy, a las castañas; a las tonterias trilladas, etc.[...]
• Extraido de: Mark Rothko, Escritos sobre arte (1934-1969), Ed. Paidos, Pags 68 a 70.

Mark Rothko - Declaracion sobre su actitud ante la pintura

• "La progresion en la obra de un pintor, mientras viaja por el tiempo de un punto a otro, ha de apuntar hacia la claridad: hacia la eliminacion de todos los obstaculos entre el pintor y la idea, y entre la idea y el observador. Como ejemplos de dichos obstáculos, cito (entre otros) la memoria, la historia o la geometría, pantanos de generalidad desde [los que] se pueden extraer parodias de ideas (fantasmas) pero nunca una idea en si. Conseguir esa claridad, significa, inevitablemente, ser comprendido."
• Extraido de: Mark Rothko, Escritos sobre arte (1934-1969), Ed. Paidos, Pag 110.

Mark Rothko - El Espacio en la Pintura

• "Se me ocurre que, a la hora de analizar el espacio, seria provechoso utilizar sinónimos que fueran mas ricos en atributos subjetivos, como por ejemplo el termino profundidad, ya que la experiencia de la profundidad es una experiencia de penetración en los estratos cada vez mas internos de las cosas. De nuevo, y en relación con estos aspectos subjetivos, cuando queremos expresar de un modo concreto, por ejemplo, la imagen de la intensidad del sentimiento, hablamos de profundidad de la emoción, y cuando hablamos de acceso al conocimiento hablamos de un desvelamiento; expresión esta última que implica un despojarse de todos los velos, un elevarse de las profundidades hacia el conocimiento directo, o de un corrimiento de los velos que oscurecen lo que esta tras ellos. Para mí, todas estas son maneras de expresar nuestra dependencia de la sensación de cercanía o lejanía de las cosas, a la hora de establecer cualquier relacion real. Yo diria, pues, que mis cuadros tienen espacio si con ello entendemos deseo de un contacto directo, de un desvelamiento, de una experiencia de la superficie. Existe espacio en la expresión de hacer claro lo oscuro o, metafísicamente, de hacer cercano lo remoto con el fin de atraerlo hacia el orden de mi entendimiento humano e intimo.
  
  Lo que siempre me ha atraido en la pintura ha sido la claridad con que consigue esto, independientemente del periodo o del tema. Aqui esta, dice el pintor, aquello de lo que se compone mi mundo: una cantidad de cielo, una cantidad de tierra y una cantidad de movimiento. Y lo dispone sobre la tabla para que lo observe en esa misma distancia, para que mi entendimiento vea, sin mediacion alguna, los deseos, los miedos, y las aspiraciones de un espiritu en movimiento."
• Extraido de: Mark Rothko, Escritos sobre arte (1934-1969), Ed. Paidos, Pags 166 y 167.

Mark Rothko - Fragmento de Carta a Katherine Kuh

• "[...]Perdone si continuo con mis recelos pero me parece importante ponerlos sobre la mesa. Existe el peligro de que por medio de esta correspondencia creemos un instrumento que diga al publico como debe mirar los cuadros y que hay que buscar en ellos. Aunque, aparentemente esto pudiera parecer obligado y necesario, el resultado final seria la parálisis de la mente y de la imaginación (y para el artista, la sepultura prematura). Por ello mi repulsión a los prólogos y a las explicaciones. Si tuviera que depositar mi confianza en algún sitio, lo haria en la psique del observador sensible, aquel cuyo entendimiento se encuentra libre de toda convencion. No tendria temor ninguno al uso que se hiciera de estos cuadros si dependiera de las nececidades espirituales de un observador como este. Si existe necesidad y espiritu, se dan los mimbres para una transaccion verdadera.[...]"
  
• Extraido de: Mark Rothko, Escritos sobre arte (1934-1969), Ed. Paidos, Pag 141.

Mark Rothko - La Satisfaccion del Impulso Creativo

• "La satisfacción del impulso creativo es una necesidad básica y biológica, esencial para la salud del individuo. Su efecto general sobre la salud de la sociedad es igualmente inestimable. El arte es uno de los pocos medios que conoce el hombre para articular dicho impulso. Por ello, su practica continua al mismo ritmo de la propia vida. Ha sobrevivido a todas las proscripciones legales o morales creadas por los hombres y a todas las resistencias que opone la naturaleza mediante la dificultad de los materiales. Da igual lo inflexible que sea la superficie o lo adversas que sean las circunstancias, el hombre ha persistido siempre en el registro de su imaginario. Es un proceso psicológico que se produce en paralelo a los procesos biológicos. Asi como el hombre recibe, asi debe expulsar. La alternativa es el estrangulamiento. Los sentidos del hombre recogen y acumulan, las emociones y la mente transforman y ordenan el material y, a traves de la mediacion del arte, se emiten para que vuelvan a participar en la corriente de la vida en donde, a su vez, estimularan a otros hombres. Desde el momento en que el arte no solo es expresivo sino que tambien es comunicable, posee una funcion social. [...] La practica del arte es una accion social, importante intrinsecamente, que no necesita justificaciones externas."
  
• Extraido de: Mark Rothko, Escritos sobre arte (1934-1969), Ed. Paidos, Pag 60.

Paula E. Quiroga - En Las Profundidades del Mar

• "Burbujas. Nunca imagine que la ultima expresion de mi alma serian burbujas. Algunos diran con aires de superioridad inventada "que mediocridad tan desvariada y a la vez alucinante, encierra esa palida boca que hoy yace sin vida a un costado del mar". Pero otros, aunque dudo que sean pocos, masticaran una y otra vez hasta dejar hundidos, en su turbia saliva, sus pensamientos.
  
  A veces siento que me sumerjo en un mundo lejano, ajeno a lo que soy... o intento ser. A millones de años luz de donde yo crei pertenecer, encuentro una paz relajada. No de esa paz que la mayoria de la gente hace alarde sin tener la mas minima nocion de lo que realmente esta diciendo. Yo hablo de la paz en su mas pura forma... mi forma. El justo momento en que yo, integra, y mi deseo de volar por zonas desconocidas y desoladas se unen en un magico instante, pleno de luz y armonia congelada. Mi mirada se hiela, se enfria, tratando de obligarme a sentir el dulce sabor de la inmortalidad.
  
  A veces vivo en ascensores diferentes al mio. En los que la maxima satisfaccion de perfeccion es llegar a la cima. Donde tomar para si un trozo de cielo resulta inevitable. En aquellas fortalezas invulnerables escondo mi rostro. Quizas me resulte divertido cambiar de roles. O quizas estoy equivocada, y aquel ascensor al cual yo admiti como propio por tanto tiempo, aquel totalmente hermetico e insulso, nada de cielos, directo a mis raices; no era mi verdadero hogar.
  
  A veces pienso que mis volatiles sensaciones de inestabilidad se hacen notar cada vez con mayor resonancia. Como un fuerte rugido en la muda y demacrada noche. En esa oscuridad sedienta de seres atormentados pro sus miserables temores a lo cotidiano, a lo carnal... me encuentro yo. Corriendo sin rumbo alguno, esquivando agujeros negros imaginarios, escuchando aullidos melancolicos, sintiendo escalofrios que recorren mi encorvado esqueleto, tocando asperezas mal curadas, rozando la delgada linea que divide a mi escencia de la fatal ausencia de tu cuerpo; que implica querer dormir para siempre.
  
  Apreciar el estrepitoso mar acariciando la arena siempre me anestesio. Esa noche, tan fria como cualquier otra de un julio gris, tuve la nececidad de acudir a EL; a mi compañero de sueños, a mi eterno amante. Solo EL y yo, enfrentados, respirandonos al oido, susurrandonos palabras inconclusas, perdidas en el torbellino que se desataba en mi interior.
  En ese momento creo que no pude llegar a presentir que mis ojos, embelesados ante tanta majestuosidad, se cerrarian para siempre. El simple hecho de descansar eternamente no me atemorizaba en lo absoluto, mas lo que realmente me cortaba la respiracion y apretaba fuertemente mi pecho en forma de dolor era la nececidad de poder guardar ese mar gris en lo mas recondito de mi mente. Tal vez el verde acompañado por un dejo de nostalgia que siempre lucieron mis ojos se apagaria, pero el humeante calor de esa noche viviria en mi.
  
  Cosquillas. Mis pies comenzaron a luchar contra el cosquilleo que EL ejercia en ellos. El agua me resultaba demaciado fria, pero de mas excitante. Mi cuerpo tendido en la arena se elevo para permitirme observar con impecable claridad mi suave lecho.
  Uno tras otro, interminables pasos hacia EL, hacie el deseo. Rodillas temblorosas, manos arrugadas; pero nada podia opacar la belleza perpetua de mi rostro.
  
  Burbujas. Escapando de mi boca, corriendo para salir a flote, apuradas por tener significado en mi vida.
  
  Supongo que uno no elige su final ni tampoco las crudas palabras que quedaran resonando en la cabeza de quienes tuvieron que oirlas.
  
  Supongo que mi vida fue tan normal como la de cualquier otro, como la del pobre vagabundo mendigando por un par de monedas; como la de una madre sufriendo el secuestro de su hijo; como la de un insignificante loco delirando en su blanco cuarto.
  
  Supongo que no podia pedir algo mas que burbujas para completar mi fin."
• Paula E. Quiroga - Mar del Plata, Argentina, 9 de Noviembre del 2004. Basado en la Pintura "En Las Profundidades del Mar" de Jose M. Casas.

Perez Celis - Extracto de Entrevista

• - —Yo lucho con dos palabras que usan mucho en arte los críticos y los pintores. Una es "búsqueda"; la otra, "idea". Son dos palabras que a mí me parecen muy mal usadas en arte. Se olvidan de la gran frase que dijo Picasso: "Yo no busco, encuentro". Puede buscar un científico, que sabe lo que está buscando. Pero el creador no puede buscar algo que no conoce. Nosotros sabemos que la creación es lo desconocido. Nadie puede salir a la calle a buscar algo que no sabe qué es. Lo que pasa es que si uno está alerta y receptivo, va a encontrar. Es lo que yo veo en el desarrollo de una obra. Yo tengo un punto de partida y todo lo que va apareciendo uno lo va encontrando a medida que trabaja.
  
  - —Usted no sabe cómo es una obra antes de.
  
  - —No.
  
  - —¿Nunca frente a una tela en blanco sabe cómo va a quedar?
  
  - —No. Porque si uno lo sabe, está trabajando inexorablemente con el pasado. Lo que usted sabe es el pasado. Y si usted quiere una obra nueva, no puede trabajar con el pasado. El tipo que tiene toda la obra en la cabeza, para mí, es un ilustrador. Está comunicando algo que sabe, es como un afiche, está bien, pero el arte trasciende el tema. Trasciende el tema y trasciende el tiempo porque la interpretación de esa obra va variando con los siglos. No se siente hoy lo mismo frente a un cuadro de El Greco que lo que alguien podía sentir hace cien años o en el siglo XVI, cuando él pintaba.
  
  - —¿Y la palabra "idea"?
  
  - —Está muy bien para la publicidad. Hay que vender un producto determinado, se busca una idea, se desarrolla, se vende ese producto. Pero si al poco tiempo quiere seguir vendiendo ese producto, tiene que cambiar de idea. Porque la idea tiene corto alcance, se gasta. En cambio, dos manzanas de Cézanne o un retrato de Rembrandt, como idea, son nada. Sin embargo, tienen algo más profundo que los hace trascendentes y permanentes.
  
  - —¿Y qué es eso?
  
  - —Sangre.
  
  - —¿Eso es lo que tiene que tener un cuadro?
  
  - —Sangre. A mí de un cuadro ya no me importa si está bien pintado, mal pintado, si es una buena idea: me importa que tenga sangre. La sangre usted la siente al margen de todo eso.
• Extraido de la Revista Ñ. Entrevista Completa en --> http://www.cultura.clarin.com/suplementos/cultura/2005/04/30/u-966637.htm

V. Kandinsky - De lo Espiritual en el Arte

• "Asi vemos por fin (y esto tiene una importancia enorme para todas las epocas y especialmente para la nuestra) que lo personal, el estilo (y tambien accesoriamente lo nacional) no se consiguen intencionadamente, ni tienen tampoco la importancia que hoy se les atribuye. Y se ve que la afinidad general de las obras, que no se debilita con los siglos, si no que se potencia mas y mas, no radica en el exterior, en lo externo, si no en la raiz de las raices, en el contenido mistico del arte. La sumision a la "escuela", la busqueda de la "linea general", la exigencia en una obra de "principios" y de medios de expresion propios de la epoca, conducen por falsos derroteros y, necesariamente, a la confusion, la oscuridad, y el enmudecimiento. El artista debe ser ciego a las formas "reconocidas" o "no reconocidas", sordo a las enseñanzas y los deseos de su tiempo.
  
  Sus ojos abiertos deben mirar hacia su vida interior y su oido prestar siempre atencion a la nececidad interior. Entonces sabra utilizar con la misma facilidad los medios permitidos y los prohibidos.
  
  Este es el unico camino para expresar la nececidad mistica.
  Todos los medios son sagrados, si son interiormente necesarios.
  Todos los medios son sacrilegos si no brotan de la fuente de la nececidad interior.
  
  Por otro lado, aunque hoy se teorice hasta el infinito sobre este tema, la teoria es prematura en el detalle. En el arte la teoria nunca va por delante y arrastra tras de si a la praxis, sino que sucede lo contrario. En el arte todo es cuestion de intuicion, especialmente en los comienzos. Lo artisticamente verdadero solo se alcanza por la intuicion, especialmente al iniciarce un camino. Aun cuando la construccion general se puede lograr mediante la teoria pura, el elemento que constituye la verdadera escencia de la creacion nunca se crea ni se encuentra a traves de la teoria; es la intuicion quien da vida a la creacion. El arte actua sobre la sensibilidad y, por lo tanto, solo puede actuar a traves de la sensibilidad. El calculo matematico y la especulacion deductiva, aunque se basen en medidas seguras y pesos exactos, nunca produciran resultados artisticos. No se pueden formular matematicamente esas medidas, ni se encuentran esos pesos.
  
  Las medidas y las balanzas no estan fuera sino dentro del artista y constituyen lo que podriamos llamar su sentido del limite, su tacto artistico."
• Kandinsky, "De Lo espiritual en el Arte", Pags 68 y 69, Ed. Paidos, 2003